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파아란 영혼


안규철 - 안 보이는 사랑의 나라 Ahn Kyuchul - Invisible Land of Love 

국립현대미술관 현대차 시리즈 2015

2015.09.15 - 2016.5.22 

국립현대미술관 서울관 전시실 5 



고립과 격리는 <안 보이는 사랑의 나라>에서 공간의 중심적 특성이 된다. 입구의 금붕어들은 고립된 자신만의 공간에서 맴돌고, 필경사의 방은 참가자를 위한 격리실(Klausur), 예배실 또는 일종의 감옥이 되며, 64개의 방은 자발적인 고립과 실종을 위한 미로가 된다. 침묵의 방에 이르러 이러한 격리는 물리적 경계를 넘어 끝없는 우주적 공허, 아무 것도 없음, '지금 여기'가 없는 상태의 경험으로 이어진다. 일상공간으로부터의 단절, 타인들로부터의 격리, 홀로 남은 자의 고독은 '안 보이는 사랑의 나라'로 가는 여정, 피할 수 없는 항해의 과정이다. 스님들의 묵언수행, 기도하는 사람들의 합장과 눈감기, 우리가 학교에서 보내는 그 긴 침묵의 시간들은 모두 같은 길을 향하고 있다. 

- 전시 브로셔에서. 




기억을 더듬는다. 전시에 대한 기억. 안규철 그리고 마종기. 몇 개의 이미지. 문장들. 참여와 경험. 현대미술은 이제 이미지를 넘어 참여, 실천, 경험을 향한다. 20세기적 비전은 사라지고 21세기는 고대적 이상을 불러 일으킨다. 빠르게 발달하는 인쇄, 미디어 기술은 예술의 범위를 확장시킬 것이라고 여겨졌지만, 도리어 예술는 더 폐쇄적으로 변한다. 그래서 같은 공간에서의 직접적이고 감각적인 체험과 공유만이 진정 예술을 즐길 수 있는 어떤 것이라 말한다. 


그래서 안규철의 작업은 사람들과 함께 만들어지고 구성되면서 앞으로 나아가 사라진다. 


기억의 벽, 2015 


그래서 현대미술은 종종 자기의 공간을 한정시키고 단절시키면서 동시에 참여자의 경험을 극대화시키려고 한다. 일종의 반-일상적 공간과 사건을 제공하면서 일상에 숨겨진, 진정한 의미를 상기시키려는 듯하다. 그것이 성공하든지, 실패하든지 상관하지 않고, 앞으로도 계속. 


결국 현대미술를 사랑한다면, 미술관이나 갤러리를 계속 돌아다니며 볼 수 밖에 없다. 







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대한항공 박스 프로젝트 2015:

율리어스 포프 Julius Popp 

국립현대미술관 서울관





<비트.폴 펄스(bit.fall pulse)>는 데이터의 최소 단위 정보 조각(bit)의 떨어진(fall), 즉 쏟아지며 짧은 순간만 존재할 수 있는 정보의 일시성과 전 세계적으로 빠르게 전파되는 정보의 활발한 맥(pulse)을 의미합니다. 작품은 실시간으로 인터넷과 연결되어 작가가 고안한 통계 알고리즘을 통해 인터넷 뉴스피드에 게재된 단어의 노출빈도수를 측정하고 각 단어의 중요도에 따라 '물 글씨' 단어를 선택합니다. 전시장 안에서 연속적으로 빠르게 쏟아져 내리는 이 '정보 데이터의 폭포'는 1초도 안 되는 시간에만 유효한 정보의 일시성과 현대인이 이해하고 소화시킬 시간적 여유를 제공하지 않는 정보 과잉의 현대 사회를 시각화합니다. 또한 생동감 있게 오늘날의 주요 사건과 연루된 단어들을 보여주기도 하지만 작가는 개별적인 단어의 가치보다는 인간과 사회가 정보를 어떻게 소비하는지, 또한 소비되는 정보의 의미와 가치는 어떻게 변화하는지 주목합니다. 

- <전시 설명> 중에서 




출처: 직접 찍음(낡은 폰 카메라로 찍은 탓에...) 



이런 작품은 콘텍스트에 의해 많이 좌우된다. 적절한 아이디어와 기술, 데이터(단어)의 조합과 일시성, 조명과 소리. 미디어 설치작품은 공간과 호흡하며 공간 속으로 들어가 공간의 일부가 되거나 공간의 전부가 된다. 공간을 새롭게 하며, 그 공간을 찾아온 사람들의 시선을 사로잡으며 우리의 마음을, 머리를, 몸을 환기시킨다. 율리어스 포프의 작품만 해당되는 것이 아니라, 미디어 설치 작품은 본질적으로 그러하다. 


율리어스 포프는 이 작품으로만 너무 오래 하는 건 아닌가 하는 생각이 들지만, 그만큼 직접적이고 이해하기 쉽고 도심의 공간 속에 들어가기 용이하다. 또한 다양한 매체들과 연계되면서 21세기 초반 문명의 특성을 고스란히 담아낸다는 점에서도 비평적 찬사를 끌어낼 수 있다. 



이렇게 보면, 결국 대중의 호응(재미있고 쉽게 이해할 수 있는)과 우호적 비평(다양한 매체와 혼합과 연결)을 만들 수 있는 어떤 컨셉만 있으면 되는 건 아닌가 하는 생각에까지 미친다. 인간 삶에 대한 고독한 탐구와 끊임없는 연마가 아니라, 적절한 탐색과 만남, 괜찮은 아이디어(혁신적인 아이디어가 아니라)가 현대 예술가에게 필요한 것이 아닐까. 





나에게 율리우스 포프의 작품이 매력적인 측면은, 바로 '물소리다. 기계들이 만들어내는 둔탁한 물소리. 어두운 갤러리 공간에서 순간 나타났다 사라지는 글자들 위로 거칠고 무거운 물소리가 들린다. 그 여운은 꽤 길어서 이 느낌은 뭘까 하는 생각이 든다. 마치 디스토피아를 암시하듯. 

더 멀리 나아가선 칸트의 '숭고미'까지. 결국 우리는 자연의 거대한 흐름에 굴복하고 말 것이다. 아무리 현대 문명에 열광할 지라도 그건 순간이며, 떨어지는 물처럼 사라질 것이다. 그저 흘러가는 물이 될 것이다. 어느 새 강이 되고 끝없는 바다가 될 것이다. 

자연의 관점에선 모든 것이 부질없다. 결국 율리우스 포프의 작품이 향하는 곳은 바로 이 지점이다. 모든 것은 허무하고 부질없다는 것. 

이 첨단의 미디어 예술가도 현대의 허무주의와 싸우고 있는 것인가, 아니면 허무하다는 것을 환기시키는 걸까. 그건 관람객의 몫이다.   





미술관에서는 율리우스 포프를 이렇게 소개하고 있다. 


율리어스 포프(1973~ )는 독일 라이프치히 시각예술 아카데미를 졸업하고, 뉴욕현대미술관(2008), 리옹 현대미술관(2008), 빅토리아 앤드 알버트미술관(2009), ZKM(2015) 등의 해외 유수 기관의 기획전에 참가하였으며, 2012년 런던 올림픽을 기념하는 <비트.폴bit.fall> 작품 설치로 국제적인 주목을 받았다. 과학과 예술의 경계에 위치한 그의 작품은 정보의 특성을 주목하고 디지털 시대의 정보와 인간의 상호적 관계를 탐구해왔다. 








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이불 LEE BUL 

국립현대미술관 현대차 시리즈 2014 

2014.9.30 – 2015.3.1 

(현대자동차 http://brand.hyundai.com/ko/main.do)





그 공간에 서면, 작품 한 가운데 서면, ‘여긴 어디지’라는 생각을 하게 된다. 그리고 빨리 나가거나 계속 머무르거나. <태양의 도시 II>에서. 


2014년 이불은 현대자동차의 지원을 받아 국립현대미술관에 2개의 작품을 전시한다. <태양의 도시II>와 <새벽의 노래II>. 둘 다 기계적 초현실주의, 혹은 실험주의라고 할까. 미술에서 초현실주의나 실험주의라고 하면, 반-기계적으로 생각하기 쉬우나, 그렇지 않다. 이탈리아의 F.T.마리네티Marinetti는 미래주의를 주장하면서 기계적 특징들을 적극적으로 수용하였다. 하지만 그 흐름은 그리 오래 가지 않았고 금세 반-기계주의로 기울었지만.


내가 이불의 작품 앞에서 이런 이야기를 하는 이유는 그녀의 이번 작품이 기계적 형태를 띄면서도 반-현실적인 유토피아를 향하고 있다고 할까. 




태양의 도시 II, 2014

폴리카보네이트, 아크릴 거울, LED 조명, 전선, 330 x 3325 x 1850 cm

사진: 전병철, 사진제공: 국립현대미술관 

출처 http://brand.hyundai.com/ko/art/with-mmca/mmca-hyundai-motor-series-2014-leebul.do



한 편으로 건축적이면서 반-건축적이기도 하다. 건축이란 사람이 지낼 수 있는 공간, 사람과 호흡하는 공간을 향하지만, 이불의 작품 속에서 사람이 기댈 곳은 없었다. 작품 속을 걸어갈 수 있으나, 그것은 참여가 아니라 바라봄일 뿐이다. 



태양의 도시 II, 2014

폴리카보네이트, 아크릴 거울, LED 조명, 전선, 330 x 3325 x 1850 cm

사진: 서지연 아트인포스트 제공

출처 http://brand.hyundai.com/ko/art/with-mmca/mmca-hyundai-motor-series-2014-leebul.do




이불은 인류의 자유와 해방을 목표로 한 근대 기획의 모든 서사들을 유토피아에 대한 열망으로 보고 이에 대해 물음을 제기한다. 과거부터 현재까지 우리를 사로잡고 있는 ‘완벽’에 대한 환상에 대해 언급한다. 완벽에의 헛된 열망과 그 적나라한 실체를 마주하게 함으로써 어쩌면 외면하고자 하는 현실을 거침없이 드러낸다. 이불의 작품 세계는 삶과 죽음, 추와 미, 세속과 신성, 실재와 꿈이 무수히 교차하는 현실 속으로 차갑고도 뜨겁게 그 근원 혹은 경계를 찾아 나아간다. (전시 팜플릿 중에서) 



현대 예술은 종종 질문을 던진다. 이불은 낯선 공간을 보여주면서 관객을 자극한다. 낯선 공간 속에 관객을 밀어넣고 다소 신기하면서도 차갑고 두터운 경험을 선사하면서 작품 속 공간과 작품 밖 공간을 대비시킨다. 그리고 원시적이며 무섭고, 그러면서 기계적이라는 느낌을 가지게 한다. 흥미롭게도 국립현대미술관은 더 기계적인 공간임에도 불구하고. 



새벽의 노래 III, 2014

알루미늄, 폴리카보네이트, 메탈라이즈드 필름, LED 조명, 전선, 스테인리스 스틸, 포그 머신, 가변 설치

사진: 전병철, 사진제공: 국립현대미술관



일반 관람객들에겐 이 정도의 경험도 무척 값질 것이다. 하지만 너무 스펙터클에만 집중한 건 아닐까. 다가갈 수 없는 공간에 대한 두려움, 경외감은 이미 자연 속에서 경험할 수 있는 것이다. 나는 작품이 조금 어렵게 느껴졌다. 그 공간이 익숙하지 않았고 너무 멀었다. 


2014년 전시 감상문을 지금이라도 정리해두는 이유는 이불은 그만큼 중요한 작가이기 때문이다. 1997년 뉴욕 현대미술관에서의 전시 작품은 정말 대단했다. 





화엄 Majestic Splendor

1997

stills from original installation

Courtesy: Studio Lee Bul

Photo: Robert Puglisi

출처 http://www.mori.art.museum/korean/contents/leebul/introduction/03.html



아래와 같이 죽은 물고기를 전시 했다. 보는 것만으로도 대단한 시각적 효과를 가졌을 텐데, 전시 기간동안 물고기는 썩어갔다. 썩어가면서 다양한 향을 내품었다. 결국 관람객들의 항의로 인해 철수되었지만, 이 때 이불은 전세계 미술계에 강력한 인상을 남긴다. 이 얼마나 대단한 접근인가. 미술관 공간에 대한 질문부터 니네들도 이렇게 냄새 풍기며 썩을 거라고 경고까지 날리니까. 그리고 그 썩어가는 과정에 대해 경외감을 가진 제목이라니. 







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Leandro Erlich 레안드로 에를리치

Port of Reflections 대척점의 항구

2014. 11. 4 - 2015. 9. 13

국립현대미술관 서울관 서울박스 

한진해운 박스 프로젝트 2014 




2012년 송은아트스페이스에서의 전시 이후 다시 만나는 레안드로 에를리치다. 1973년 부에노스 아이레스 출신인 레안드로 에를리치는 2001년에 이미 베니스 비엔날레에 아르헨티나를 대표하는 작가로 참여했다. 이십대 후반에 이미 그는 아르헨티나 최고의 작가 반열에 오른 셈이다. 2005년에 다시 베니스 비엔날레에 참가했고, 2000년에는 휘트니 비엔날레, 2001년에는 이스탄불 비엔날레에 참가했다. 


이른 나이에 세계적인 명성을 쌓기 시작했는데, 이번 국립 현대 미술관에 전시된 <대척점의 항구>는 그간 그가 보여주었던 공간의 착시 효과를 통한 물리적 환경의 변화, 경험, 그리고 관람객의 놀라움 등을 느끼기엔 다소 부족하지 않았나 싶다. 이전 송은아트스페이스는 낮은 천장의 실내 공간에서의 전시라는 점에서 작품은 좋았으나, 관람객의 극적인 반응을 불러일으키는 데는 힘에 부쳤다고 할까. 


레안드로 에를리치는 규모있는 작품에서 강한 면모를 보인다고 해야 할까. 하긴 형편없는 작품이라도 규모에서 압도하면 그럴싸해 보이기도 한다.(파리 오르세 미술관 1층을 가득채운 19세기 후반 아카데미 미술 작품들을 떠올려 보라.이 작품들을 보며 흥분하는 관람객들이란!!) 



- 국립현대미술관 서울관의 전시 모습 




- 국립현대미술관 서울관의 전시 모습



위 사진들은 전시 공간 아래서 위로 본 모습이다. 그런데 저 위에서 아래를 보면 어떤 모습일까?(전시를 관람하면서 그 생각을 안 해본 건 아니지만, 안내를 받지 못했고 그럴 여유도 없었다.)  





이미지 출처: http://www.leandroerlich.com.ar/ 


위에서 본 레안드로 에를리치의 <대척점의 항구>는 이런 모습이다. 그러니 반드시 위로 올라가서 두 개의 시선으로 작품을 바라봐야만 제대로 감상했다고 할 수 있을 것이다. 



그의 다른 작품 <Swimming Pool>이다. 아래 사진을 보면 풀장 아래 사람들의 모습이 보인다.  


출처: http://whenonearth.net/the-swimming-pool-by-leandro-erlich-in-kanazawa-japan/ 



그리고 아래에선 이런 모습이다. 아, 이건 풀장이 아니다. 



출처: http://twistedsifter.com/2012/08/fake-swimming-pool-illusion-by-leandro-erlich/ 


실제 물은 약 10cm정도만 채워져 있을 뿐이다. 그리고 물 아래 투명한 유리가 있고. 위에서 아래로 보면 영락없는 풀장이지만(실제 물인가 하고 만져보는 사람들도 있다), 아래에서 위로 보면 이건 뭐랄까. 



아래 작품은 2013년 런던 건축 페스티벌에서 전시된  <Dalston House>다. 2004년 프랑스 파리에서 <Batiment>이라는 이름으로 최초 전시된 이후, 세계 여러 도시에서 초대 전시되는 듯 싶다. 


아래 작품 사진을 보자. 이게 어떻게 된 거지? 




약 45도 정도로 기울어진 거대한 유리를 통해 시각적 착시 효과를 노린 설치 작품이다. 아이디어도 흥미롭지만, 더 흥미로운 것은 관람객들의 반응이다. 



출처: http://www.dezeen.com/2013/06/26/dalston-house-by-leandro-erlich/ 


아래는 2004년 파리 전시 모습이다. 


출처: http://www.artforworldexpo.com/InitialProject/works_27_LeandroErlich.html 


레안드로 에를리치의 작품은 관람객으로 하여금 자발적인 참여를 유도하고 관람객들은 즐거운 마음으로 여기에 참여한다. 


이번 국립현대미술관 서울관에서의 전시 설명을 읽어보자. 


아르헨티나를 대표하는 유망작가 레안드로 에를리치는 서울관의 중심 공간인 서울박스의 공간적 특성을 반영한 신작 <대척점의 항구 Port of Reflections>을 선보입니다. 아름다운 항구로 변신한 서울박스 공간을 부유하는 선박들과 가로등은 거울처럼 맑은 수면 위에 반사된 물그림자와 함께 환상적이며, 초현실적인 풍경을 보여줍니다. 현실과 환영, 실재와 가상이 절묘하게 결합된 풍경 속으로 직접 뛰어들어 경험할 수 있는 이 작품은 (...) 순수한 시각적 호기심을 유도합니다. 



위 전시 설명은 이번 전시 작품 이외에 이 글에서 언급한 두 작품에도 적용될 수 있을 것이다. 그는 이런 일관된 테마로 10년 이상 작품 활동을 해오고 있다. 이번 전시는 올 9월까지 이어지니, 한 번 가서 경험해보는 것도 좋을 듯 싶다. 




작품 이미지 및 자료 참고)

레안드로 에를리치 홈페이지 : http://www.leandroerlich.com.ar/ 

Dalston House by Leandro Erlich http://www.dezeen.com/2013/06/26/dalston-house-by-leandro-erlich/ 

Leandro Erlich http://en.wikipedia.org/wiki/Leandro_Erlich 

http://www.artforworldexpo.com/InitialProject/works_27_LeandroErlich.html 

http://momaps1.org/exhibitions/view/207 





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(출처: 국립현대미술관 http://www.mmca.go.kr/)



문지방(프로젝트팀 이름으로, 세 명의 건축가, 권경민, 박천강, 최장원으로 구성되어 있다) 

신선놀음, 2014 

국립현대미술관 서울관.




이제 네 살이 된 아들과 단 둘이 미술관 투어를 계획하고 실행했지만, 실패였다. 외부에 보이는 모든 것들 위로 물음표로 떠오르는 그 시절, 작품은 바라보는 대상이 아니라 만지고 흔들어보고 던져보는 대상이다. 결국 나는 갤러리에 들어갔다고 소리만 지르다 나와, 사간동을 배회하기만 했다. 


공간 건물에 새로 들어온 아라리오 뮤지엄은 입구 앞에서 발길을 돌릴 수 밖에 없었다. 다행히 국립현대미술관 서울관에 만난 신선놀음. '무화과같다'는 네 살배기 아들의 말. 연신 뛰어다니는 아들 뒤를 따라다니느라, 나는 금세 지쳤다. 


조형적 견고함과 부드러움을 동시에 가진 이 구조물은 미술 작품이라고 하기에는 너무 건축적이다. 건축적 상상력은 건축 안으로 사람들을 불러 모으고, 그 곳에서 시간을 보낼 수 있도록 한다. 하지만 미술은 반대다. 우선 밖에서 바라보는 것을 전제로 한다. 그 다음 참여를 유도한다. 이 참여란 공간 안으로의 참여라기 보다는 공간의 안 / 밖을 분명하게 구분한다. 너무 편협한 구분법인가. 한 때 미술은 건축과 한 몸이였던 시절이 있었고, 지금 많은 예술가들과 건축가들이 이 미술과 건축의 한 몸으로 만들기 위한 노력을 하기도 한다. 


하지만 케네스 클라크의 지적, 미술가들이 건축가였던 시절의 행복함은 생각나는 건 뭘까. 


(그나저나 요즘 자주 눈이 침침해진다. 노안의 시작인가. ㅡ_ㅡ;; 이 글을 쓰고 있는 지금도 갑자기 ... ) 








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현대자동차의 예술 사랑 - '현대자동차 Art & Culture Insight Tour' 후기




얼마 전 나는 무척 흥미로운 행사에 참석했다. '현대자동차 Art & Culture Insight Tour'. 지난 6월 21일 토요일 국립현대미술관 서울관에서 열린 이 행사에서, 나는 다시 한 번 예술(혹은 예술가)에 대한 고민, 열정, 그리고 그것들을 둘러싼 많은 활동들에 대해 생각할 수 있었다. 


참석하게 된 계기는 그저 이 작은 블로그 하나를 운영한다는 이유뿐이고 여기에 덧붙이자면 네이버나 구글에서 검색이 잘 된다는 정도일 것이다. 그리고 자동차회사에서 예술에 대해서 이야기한다고 했을 때, 내 기대는 그리 높지 않았다. 이미 많은 기업들이 순수 예술에 대한 투자를 아끼지 않고 있지만, 거기에 불순한 의도가 있는 것은 아닐까 하는 의심을 갖는 건 당연한 일. 많은 기업들이 갤러리를 운영하고 있으며(몇몇 기업들은 탈세 용도로), 문화재단을 운영하고 있기도 하다. 삼성은 문화재단과 리움을 통해, 금호는 미술관, 아트홀과 함께 클래식음악에 대한 지원으로 유명하다.  


하지만 내가 현대자동차의 이번 행사에 참여하면서 느낀 것은 너무 특별했다. 다른 기업들이 직접적인 투자와 지원이라면, 현대자동차는 (어쩌면 기업 입장에서는 다소 위험도가 높다고 느껴질 수도 있는) 순수 예술 전반의 생태계와 순수 예술에 대한 저변확대에 초점을 맞추고 있었다. 여기에 대한 솔직한 내 반응은 '와우'였다.



(이대형 큐레이터의 강연 장면) 


행사는 오전 10시부터 시작되어 오후까지 이어졌다. 나는 여기에서 이대형 큐레이터를 만날 수 있었다. 나도 많은 큐레이터를 만났고 그 비슷한 일을 했으며 예술에 대한 사랑은 누구 못지 않다고 자부하는 터였지만, 그 앞에서는 솔직히 주눅들 수 밖에 없었다. 그리고 행복했다. 한국 미술은 이런 사람들이 있기 때문에 성장하고 있고 앞으로도 성장할 것이기 때문이다. 


아마 기업에서 이런 유형의 행사를 기획하고 운영한 것은 현대자동차가 처음이 아닐까 싶다. 나는, 우리들은 기업의 브랜드와 순수 예술과 결부시키는 방법을 일차원적으로(혹은 피상적으로) 접근한다. 그래서 아트콜라보레이션(art collaboration)을 하더라도 해당 기업의 상품이나 브랜드 이미지와 직접적인 연상이 일어나야 된다고 믿는다. 하지만 그러면서도 내 마음 한 곳에선 이건 산업디자인 아닌가? 하는 생각이 드는 건 어쩔 수 없다. 차라리 디자이너와의 협업이라는 이해가 되지만, 순수 예술가와의 협업이 제품으로 나온다는 건 ... 하긴 디자인과 순수 미술의 경계는 이미 무너졌고, 이 정도라도 해주는 것이 얼마나 고마운 일인가. 대부분의 작가들은 스스로를 알리는 방법에 대해 잘 모르고 나서서 하는 것도 주저하는 마당에. 


그런데 현대자동차는 전혀 방식으로 아트 마케팅을 진행하고 있었다. 그것도 무모할 정도로. 이미 현대자동차는 영국 테이트모던과 11년 장기 파트너십 계약을 맺었다!(세상에 한국 기업이 영국 최고의 미술관에다 이런 짓을!!). 테이트모던 역사상 최장의 파트너십이라고 한다.  

 






그렇다면 한국에선? 걱정은 하지 않아도 될 것같다. 테이트 모던보다 더 지원했으면 했지, 덜 지원하진 않은 모양이니. 이미 국립현대미술관과 서울관의 갤러리 아트존은 현대자동차가 지원하고 있었다. 또한 <국립현대미술관 현대차 시리즈>를 통해 국내 중견 작가 지원 프로그램을 운영할 예정이다. 





<국립현대미술관 현대차 시리즈>의 첫 번째 작가로 이불(Lee Bul, 1964년) 작가가 선정되었습니다. ‘여전사’라는 수식어를 가진 이불은 작품 활동 초기부터 퍼포먼스, 설치, 조각 작업 등 행위예술과 설치 예술을 통해 아름다움, 파괴 등을 주제로 인습을 타파하는 작업을 펼쳐왔습니다. 1990년대 후반 사이보그 시리즈 작업으로 국내뿐만 아니라 세계적으로 큰 반향을 일으켰으며, 2000년대 이후 개인의 기억, 경험을 반영한 작품을 보여주고 있습니다. 

출처: http://brand.hyundai.com/ko/art/with-mmca/mmca-hyunda-series.do 





그렇다면 현대자동차의 아트 마케팅은 어떻게 다르길래, 내가 '와우'라는 반응을 보였던 걸까. 이대형 큐레이터의 설명과 관련 안내 자료들을 바탕으로 정리해보면 크게 3가지로 말할 수 있다. 



1. 우리들의 마음과 행동을 바꾸는 내재화. 


한때 서양미술사를 공부했고 미술계에 들어가 뭔가 해보려고 했던 내가 늘 고민하고 부딪혔던 문제는 전시를 한 두 번 본다고 해서 그 사람이 그 전까지 없었던 예술에 대한 사랑이 생기지 않는다는 것이다(내 꿈은 많은 사람들이 예술을 즐기고 사랑하게 만드는 것인데). 도리어 이 작품 돈 될꺼야 라고 말하는 편이 더 나았다. 적어도 그러면 이 작품은 왜 돈이 될까 하는 고민이라도 하니 말이다.


계량적 가치는 평가하긴 어려워도 설명하기 쉽다. 하지만 그렇지 않은 것들, 가령 작품성이나 감동, 왜 이 작품은 위대한지 따위를 설명하자면 난감하기 이루 말할 수 없다. 이대형 큐레이터는 자신이 외국의 명품 회사와 일을 할 때, 그 회사의 담당자들이 가진 미술사적 이해와 폭넓은 지식으로 참 편하게 이야기할 수 있었고 보다 좋은 결과를 낼 수 있었다고 이야기했다. 


그렇다. 전시 한 두 번 본다고 해서, 미술 서적 한 두 권 본다고 해서 어제까지 예술에 관심 없던 사람이 오늘 갑자기 예술에 관심을 가지는 건 아니다. 기업도 마찬가지다. 현대자동차가 예술 마케팅을 한다고 해서 갑자기 예술 마케팅 회사가 되는 것이 아니다. 


그래서 이대형 큐레이터는 직접 자료를 만들어서 현대자동차 딜러들과 직원들을 대상으로 강연하기 시작했다고 한다. 현대자동차가 예술 마케팅 회사가 되지 않겠지만, 적어도 현대자동차 직원들은 예술을 사랑하진 못하더라도 최소한의 이해를 가진 사람들이 변할 테니 말이다. 이렇게 현대자동차는 변하고 있었다. 


그는 이와 비슷한 변화를  '내재화'라는 단어로 설명했다. 이것이 진짜 변화라고. 그런데 누가 이런 변화를 지원할 것인가. 많은 갈등과 고민, 오랜 기간 동안 투자하고 지원해야 하는 일인데. 현대자동차의 예술 마케팅이 기대되는 것은 이 지점에서부터 시작된다. 



2. 콘텍스트를 움직이는 관계 미디어 


어쩌면 자동차도 미디어? 그럴 지도 모르겠다. 적어도 행동경제학에선 자동차는 강력한 효과를 지닌 메시지를 가지고 있으니 말이다. 그런데 이 자동차에 문화 예술을 씌운다면? 


문화는 마케터들의 판단과 방향성을 지배하는 힘을 갖고 있다. 그리하여 문화를 제대로 이해하고 간파하고 있는 기업이 만든 청사진을 따라 나머지 기업들은 상품을 만들거나 마케팅 활동 등을 진행한다. 현대자가 문화예술 마케팅을 통해 문화 자산을 쌓는다면 주도적으로 청사진을 그려 타깃 시장을 지배하고 이끌어날 수 있게 된다. 

또한 고객은 문화라는 렌즈를 통해서 기업을 바라본다. 문화가 고객의 인식을 변화시킬 수 있다는 의미다. 고객은 자동차의 기본적인 가치를 넘어서 인간에 대한 고민을 담고 있는 문화예술에 대한 소양이 있고 이에 집중하는 현대차에 대한 긍정적인 인식을 갖게 되고 브랜드 가치를 높게 평가하게 된다. 

- '현대자동차 문화지원 사업 소개' 중에서 


이렇게 생각해보자. 현대자동차의 문화지원 사업, 즉 현대차의 아트 마케팅을 통해 우리는 순수 예술을 보다 쉽게, 바도 자연스럽게 접근할 순 있지 않을까? 현대자동차라는 브랜드가 일종의 관계 미디어가 되는 셈이다. 


아마 순수 예술의 입장에서는 다소 어색하고 부정적인 면이 없지 않아 보이지만,  현대자동차의 이 도전적인 문화 예술 마케팅이 성공적으로 진행되어, 국내 기업들 뿐만 아니라 다른 글로벌 기업들까지 따라 한다면, 어떻게 될까? 적어도 부정적인 면보다 긍정적인 면이 더 많지 않을까. 나는 희망적으로 이걸 기대해본다. 



3. 미술생태계 중심, 그리고 사람 


마지막으로 현대자동차의 문화 예술 마케팅은 한국의 미술 생태계의 경쟁력을 만드는 데 집중하고 있다. 많은 기업에서 일반적으로 하는 순수 예술 지원 할동은 갤러리 운영이나 작품 구입 정도다. 실은 이 정도 하는 것만으로도 고마운 일이다. 하지만 현대자동차은 여기에 집중하지 않는다. 


도리어 국립현대미술관을 지원하고(미술인프라 지원), 국립현대미술관과 함께 작가 전시 프로그램(국립현대미술관 현대차 시리즈)을 운영한다. 그리고 다양한 아트콜레보레이션과 이를 판매할 갤러리 아트샵을 지원하고 있다. 그리고 그 외 다양한 활동을 펼칠 것으로 예상된다. 


특히 '국립현대미술관 현대차 시리즈'는 경쟁적으로 늘어나기 시작한 신진작가 지원 프로그램들 속에서 원숙한 예술미와 한 발 더 앞으로 나아가야 할 한국의 중진 작가들을 겨냥한 지원 프로그램이라는 점에서 의미가 깊다. 그리고 여기에 전 세계에 한국 미술을 알려온 이대형 큐레이터가 함께 한다는 점에서 '국립현대미술관 현대차 시리즈'가 더 주목할 만하지 않을까. 


(갤러리 아트샵에 판매되고 있는 초콜릿 고려청자) 



현대자동차의 아트 마케팅은 환경, 즉 콘텍스트(기업과 미술 생태계) 속에서 스토리를 만들고 그 스토리의 중심에 작가과 관객을 위치시킨다. 그리고 기업, 자동차, 미술, 사람이 하나가 된다. 실은 이런 시도를 꿈꿀 수는 있을 지 모르겠지만, 이를 실제로 행하는 전혀 다른 문제다. 더구나 수익 창출이 목표인 기업이 매우 무모해보이는 아트 마케팅을. 

 

어쩌면 이 표현이 현대자동차의 아트마케팅을  제대로 표현하는 문장일 듯 싶다. 


"최고의, 중장기에 의한, 진정성을 위한 현대자동차의 문화예술 마케팅" 



미술계를 떠나 시간 날 때 전시 보고 관련 잡지나 책을 보는, 이젠 미술 애호가일 뿐일 나에게 '현대자동차 Art & Culture Insight Tour' 기회를 준 많은 이들에게 고마움을 전한다. 특히 현대자동차에서 아트마케팅의 새로운 장을 펼쳐보이기 위해 노력하는 이대형 큐레이터와 그 외 현대차 브랜드 마케팅 담당자들에게도 아낌없는 성원의 박수를 보내고 싶다. 



* 현대자동차의 다양한 문화 예술 마케팅 및 지원활동에 대해서는 현대자동차 브랜드 웹사이트(http://brand.hyundai.com/ko/main.do)를 살펴보면 될 것이다. 


ACCESS - an interactive art installation by Marie Sester 

(이대형 큐레이터가 강연을 하는 동안 알게 된 작품이다. 우리가 무심코 보고도 지나치는 골목, 거리 위의 카메라들. 그것이 지닌 폭력성을 드러낸 예술 작품이라고 할까)



토요일 오전 국립현대미술관 서울관 내부 전경. 역시 전시 관람의 최고 시간은 토요일 오전이다. 한창 미술 관련 공부를 할 때, 토요일 아침 일찍 나와 몇 시간 동안 인사동과 사간동 일대를 헤매던 기억이 난다. 그 땐 무슨 열정으로 그렇게 돌아다녔을까, 궁금하다. 누군가가 그렇게 하라고 시킨 적도 없는데도 불구하고 문학 전공자였던 내가 그렇게 ...





  



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올해의 작가상 2013 

Korea Artist Prize 

2013. 7. 19 - 10. 20 

국립현대미술관 





겨울바다

공성훈

캔버스에 유화97x130.3cm, 2010




을씨년스러운 겨울의 모습이 가득한 화가 공성훈(1965년생)의 그림은 자연에 대한 외경이나 그로부터 비롯되는 숭고미가 아니라, 더 이상 착취될 수 없을 정도로 착취된, 인간에 의해 한갓 연극 무대장치처럼 가공된 자연을 보여준다. (...)


우리가 이들 그림에서 느끼는 경탄은 그림 속에 재현된 자연에 내재한 숭고로부터 비롯하는 것이 아니다. 이 그림 속에 등장하는 자연은 마치 과장된 옷과 차림새로 화려하게 치장하고 있지만 왠지 모를 서글픔과 애처로움을 느끼게 하는 피에로처럼 보인다. 자연은 스스로의 장관을 한껏 뽐내고 있지만, 그 한껏 과장된 웅대함의 장관은 화면 한 구석에 조그맣게 등장하는 인간의 흔적에 의해 일거에 풀죽어버리고 만다. 

- '전시 팜플렛' 중에서 



우리의 일상은 얼마나 미술과 떨어져 있는가. 나는 언제나 마음이 아프다. 많은 사람들이 미술을 보고 공감하고 자신의 영혼 앞에서 솔직해지며 감동받을 수 있다면 하고 바라던 순간이 얼마나 많았던가. 


작년 가을에 있었던 올해의 작가상 전시는 2012년에 비해 다소 약한 느낌을 주었다. 후보로 선정된 네 명의 작가, 공성훈, 신미경, 함양아, 조해준의 작품들은 매우 개성적인 작업들을 보여주었지만, 파격적이거나 실험성 측면에서 2012년에 비해 얌전하게 보였다. 


그리고 올해의 작가로 공성훈이 선정되었다. 그리고 '회화' 작업이 선정되었다는 점은 고무적으로 보였다. 내 취향으로는 함양아의 작품이 마음에 들고 재미있었지만. (아래 비디오 작품이 전시되었는지는 모른다. 다만 youtube에서 구할 수 있는 비디오 작품을 옮긴다.)



Fictionality, 함양아 



전시 기간 동안 보여준 함양아의 <넌센스 팩토리>는 '일종의 부조리극 같은 색채를 띄면서 현대사회를 풍자'했다. 그 점에서 비디오 작업들은 사람들의 시선을 잡아 끌었고 충분히 재미있었고 그러면서 우리들의 일상을 다시 바라볼 수 있었다. 또한 비디오 작업이 가지는 미술적 가치를 대중에게 공감을 불러일으키며 보여줄 수 있었다는 점이 매우 좋았다. 


 

‘화장실 프로젝트’의 비누조각상. 신미경



신미경(1967년생)은 조각의 영역에서 '번역'을 화두로 하여 작업을 해오고 있다. 작가의 '번역'은 견고한 재료로 된 각종의 고전적 유물을 부드럽고 무른 일상적 재료인 비누로 옮겨내는 작업이다. 이러한 작업은 우리의 고정관념 속에 자리한 고전적 전범들이 가진 견고함을 무르고 부드럽게 만듦으로써, 그 전범들이 지닌 가치의 영속성에 관해 의문을 품도록 이끈다. 

- '전시 팜플렛' 중에서 



조해준의 작품은 흥미로운 접근을 보여주었고 예술 실천적 의미가 강했다. 


'조해준(1972년생)은 2002년부터 아버지 조동환과 함께 하는 공동작업을 통해 드로잉 연작을 발표해오고 있다. 이 그림들은 격변의 한국근현대사 속에서 평범한 소시민으로 살아온 인물들의 삶의 이야기를 때로는 덤덤하게, 때로는 해학넘치게 드러낸다. (...) 이러한 공동작업은 차츰 진화를 거듭하여, 매체 상으로는 드로잉, 설치, 만화책, 영화로 확장되어가고 있으며, 그 시야는 아버지와 아들의 삶뿐 아니라 일가친척의 가족사, 1980년대의 민주화 활동가, 더 나아가 최근에는 동유럽 출신 독일 이주민, 북한 유학생, 아랍 출신 성직자 들 세계사의 변방으로까지 지평을 넓혀가고 있다. 작가가 보여주는 <사이의 풍경>은 아버지와 아들의 두 세대의 삶을 이어주는 연결고리 같은 대목으로서 현실과 환상 사이에 존재하는 불가사의한 삶의 순간, 세계사의 사이로 언뜻언뜻 비치는 삶의 면면들, 어느 평범한 생활인의 소박한 창조물들이 사이의 간극을 뛰어넘어 동시대 미술작품으로 재탄생하는 모습들로 이루어진다. 

- '전시 팜플렛' 중에서 



조해준, 미군과 아버지, 종이에 연필 32자의 드로잉, 39x27cm, 2005-2007년




정리를 하다 보니, 함양아의 작품을 가장 좋았다고 하면서 설명은 가장 빈약하다. 전시되었던 비디오 작품을 보여주는 것이 가장 좋을 것같은데, 구할 수가 없으니 전시 팜플렛을 옮기는 것도 큰 의미가 없는 듯하여 인용하지 않았다. 혹시라도 구하게 된다면, 이 포스팅에 넣도록 하겠다. 








* 위 이미지와 동영상은 '국립현대미술관', 'Akive.org', 'Arko' 등에서 인용하였음을 밝힌다. 


 


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David Hockney 

Bigger Trees Near Warter

2013. 9. 3 - 2014. 2. 28 

데이비드 호크니: 와터 근처의 더 큰 나무들

과천 국립 현대미술관 




(각 나라의 국립미술관끼리는 소장 작품을 무료로 대여해주는 협정이 있는 것으로 알고 있다. 무료인지 확실하진 않지만, 작품을 전시하는 비용보다 작품 운송/전시 과정에 들어가는 보험료가 더 비싸 한국의 국립 미술관들은 이런 협정이 있음에도 불구하고 괜찮은 전시를 열지 못하는 경우가 허다하다. 그리고 보험료를 내기 위해 국립 미술관의 예산을 늘여야 된다고 이야기하면 아마 난리가 나겠지. 상황이 이렇다보니, 문화예술 관련 예산은 턱없이 모자라기만 하고, 결국 공공을 위해 존재하는 국공립 예술 기관들이 수익 사업을 하는 것이다. 그러나 공익 목적의 과도한 수익 사업은 그 기관의 공익성을 해치는 부메랑으로 돌아오게 되고. 하긴 예술 기관들의 재정적 위축은 비단 우리나라 뿐만 아닐 것이다. 다만 국공립 예술 기관에 대한, 대중의 관심이 더 늘어났으면 하는 바람을 가질 뿐이다. 여하튼 그래서 영국 테이트 미술관에 있는 이 작품이 과천 국립현대미술관에서 전시할 수 있게 된 것이다.)


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데이비드 호크니의 풍경화는 2008년 파리 피악Fiac에 최초로 봤다. 세계 3대 아트페어 중 하나이니, 당연 놀라운 감동적인 작품들로만 가득찼을 그 곳에서 내 눈을 사로 잡은 몇 개 되지 않는 작품들 중 최고가 바로 데이비드 호크니의 어떤 풍경화였다. 피악에 나오는 갤러리나 그 갤러리가 가지고 나오는 작품들은 일반적으로(한국의 여느 갤러리에서) 만나기 어려운 작품들이라는 걸 감안하면, 데이비드 호크니의 독보성은 놀랍기만 했다.


그리고 그가 최근 몰두하고 있는 풍경화들 중의 한 작품이, 그것도 50개의 캔버스로 이루어진 거대한 작품이 한국에 왔다는 사실만으로도 가슴 설레는 일이다. 


(그러나, 아, 아래 이미지로는 이 작품의 실체를 알 수 없다. 아니 아주 작은 일부도 느낄 수 없다.) 


출처: 국립현대미술관 홈페이지  




부디 부탁하건대, 과천 국립 현대미술관에 가서 데이비드 호크니를 만나고 오길 바란다. 그가 왜 현존하는 작가들 중 최고인지 느낄 수 있을 테니. 



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<와터 근처의 더 큰 나무들>은 데이비드 호크니의 근작 중 가장 규모가 큰 작품이다. 높이가 4.5m, 길이가 약 12m에 달하는 이 작품은 총 50개의 캔버스가 모여 하나의 전체를 이룬다. 호크니가 자신의 고향 요크셔로 돌아왔을 때 크게 감동을 받은 풍경으로 브리들링턴 서쪽, 와터 근처의 봄이 오기 직전, 나무에 새순이 솟아나는 그 때의 풍경을 표현한 것이다. 그림의 전경에는 키가 큰 나무들과 만개한 수선화들이 피어 있는 모습이 자리하고 있고 화면 구성 상 중심에는 가지를 뻗은 거대한 플라타너스가 있다. 전경의 잡목림 뒤쪽으로는 분홍빛이 도는 또 다른 작은 관목숲이 배경으로 있다. 화면의 왼쪽에는 곡선을 그리며 멀어져가는 열린 길이 있고 오른 쪽에는 사람이 거주하는 듯한 집 두 채가 있다. 그림의 상단부는 나무의 크고 작은수많은 가지들이 얽히고 설킨 형상으로 구성되어 있다. 이 작품은 그 규모로 인해 앞에 가까이 다가서는 순간, 마치 실제 나무 숲에 들어선 듯한 느낌을 준다. 보는 이들은 이제 호크니가 말하는 “자연의 무한한 다양성” 그 한복판에 자리하게 되는 것이다. 

- 전시 설명 중에서 



호크니가 작업하고 있는 모습 




데이비드 호크니와 관련된 이전 포스팅. 


2012/07/10 - [예술의 우주/예술가] - 데이비드 호크니의 풍경화

2008/10/30 - [예술의 우주/예술마케팅] - 파리의 미술축제, FIAC에 가다.

2006/06/02 - [예술의 우주/예술가] - 'Peter Getting Out of Nick's Pool' by David Hockney 데이빗 호크니




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올해의 작가상 Korea Artist Prize 2012 

국립현대미술관(과천)

2012. 8. 31 - 2012. 11. 11 




* 아래 전시 설명에 사용된 작품 이미지는 국립현대미술관(http://www.moca.go.kr)에서 가지고 온 것입니다. 






오랜만에 간 과천 국립현대미술관이었다. 완연한 가을 하늘이 펼쳐졌고 도심이 벗어난 것만으로도 기분 좋은 일이었다. 


전시를 챙기는 것이 예전만 못하다. 직접적인 돈벌이와 관련없는 일이 된 지 오래 되었다. 가끔 있는 원고 청탁으로 전시를 보긴 하지만, 매우 드문 일이 되었다. 내가 좋아하는 일이라고 하지만, 일상에 지장을 주면서까지 전시를 챙기기엔 내 사정이 여유롭지 못하다. 그러다 보니, 전시 보러 가는 것이 연례행사처럼 되었고, 더구나 꼬박꼬박 기록하던 전시 리뷰나 메모도 이젠 사라진 지 오래다. 책을 읽고 리뷰 쓰는 것도 밀리기 일쑤이고, 글쓰기에 그만큼 시간을 투자하지 못하다보니, 글의 완성도도 예전만 하지 못하다는 생각이 들 때마다 부끄러워지기만 한다. 


시간 투자와 완성도는 비례한다. 작품을 보고 머리로 이해하고 가슴으로 받아들이는 과정에는 무조건 시간이 걸린다. 미술 관련 책을 수 권을 읽고 강의를 들어도 마찬가지다. 실은 작품을 만드는 과정도 마찬가지다. 시간이 걸린다. 하루만에 뛰어난 작품을 완성할 수 있지만, 그 하루에는 긴 시간 동안 쌓여져 온 고민과 치열했던 내적 투쟁이 반영되어 있기 마련이다. 


이 점에서 이번 전시도 그런 고민들이 여과없이 파노라마처럼 펼쳐지는 전시라고 해야할 것이다. 정치적인 테마에서부터 예술 지향적인 시선까지. 보는 이들에게는 현대 예술이 가지는 '바라봄에 대한 불편함'을 느끼게 하면서도 관람객의 참여를 유도하고, 어떤 작품은 몽환적인 감미로움으로 빠지게도 하고, 어떤 작품은 메타적인 관점에서의 끈질긴 접근을 요구하며 예술을 묻기도 했다. 그러면서 사람들은 현대 한국 미술에 한 발짝 다가갈 수 있었을 테지만, 이 작가들의 작품을 도심의 상업 갤러리에서 만나기엔 한국 미술계는 너무 어렵다는 생각이 들었다.



이수경 - 쌍둥이 성좌 Constellation Gemini 



'번역된 도자기' 작품들만 보다가, 이번 전시에 소개된 작품을 보면서 작가의 새로운 면을 보게 된 것같이 기분이 좋아졌다. 순수함과 여성성을 드러내며, 몽환적이면서도 숨겨진 자아에 대한 탐구가 이어졌다. 내 설명보다 전시 소개글을 그대로 옮기는 것이 (다소 어렵게 여겨지겠지만) 작품에 대한 보다 정확한 이해를 도울 수 있을 듯 싶다. 



한편, 이수경은 양손을 이용하여 좌우가 완벽하게 대칭되는 회화를 제작하는 자신의 작품 제작 특질에 주목하여 "대칭"을 전시 주제로 선택하였다. 개인적인 작품 제작 방식에서 출발한 이 개념은 개인적인 특질을 넘어 좌우 대칭의 교방춤, 족자 작업 및 설치로 이어진다. 같으면서도 다른, 나이면서도 내가 아닌, 하나이면서 동시에 둘인 대칭 이미지는 전시장을 메우며 깨진 상처나 파편화된 수많은 나와 타인들 사이의 간극을 메운다. 이러한 작업은 내 안의 나 아닌 존재, 즉 내 속의 타인과 타인 속의 나를 발견하는 것이자 나와 타자의 같음을 발견하고 타자의 존재를 인정하는 것이라 할 수 있다. 

- 전시 소개 중에서 



문경원, 전준호 - 공동의 진술 Voice of Metanoia 




이 흥미로운 프로젝트 작품들은 나에겐 무척 의미심장했다. 이들은 오랜 기간 동안 예술에 대해 묻고 인터뷰하고 공동 작업을 해왔던 것이다. 예술에 대한 인터뷰들을 수집하고 정리하고 이것이 투영된 설치 작업들, 드로잉 등은 서로 겹치고 교차하고 이어지면서 예술에 대해서 되묻고 되묻는다. 실은 결론이 나는 질문이라기보다는 정답 없는 질문의 연속을 통해서 정의내릴 수 없는 예술에 가까이 가는 것을 작가들 스스로, 혹은 관람객들이 체험할 수 있도록 한다고 할까. 개인적으로는 이 전시가 4개의 전시 중 최고였다. 



전시장에 놓인 설치, 드로잉, 영상을 아우르는 통합 작업은 우리 시대 예술의 형태를 드러내는 것이라 할 수 있는데, 작가들은 시각언어보다는 개념 언어가 난무하는 우리시대에 예술이 유지해야 할 범주를 유명 전시 포스터에서 기인한 색상과 설치작업을 통해 제시한다. 하지만 이러한 작업을 통해 문경원과 전준호는 예술의 본질과 역할을 규정하기 보다는 예술이 인간 인식의 지평을 변화시키는 역할을 담당하였다는 역사적 사실만을 담담히 제공한다. 

- 전시 소개 중에서 


 


임민욱 - 절반의 가능성 The Possibility of Half 






임민욱은 북한의 김정일 주석과 남한의 박정희 대통령 장례식에 참석한 오열하는 주민들 모습에서 영감받아 제작한 '절반의 가능성'을 출품하였다. 슬픔에 가득찬 주민들의 모습에서 국토 전체가 마치 커다란 연극무대가 된 것같은 아이러니함을 느낀 작가는 그러한 연극적 풍광을 조장하는 이데올리기와 미디어의 역할에 주목한다. 

- 전시 소개 중에서



정치적 메시지를 교묘하게 섞어 현대 미디어의 속성을 탐구한 임민욱의 작품은 다소 생소하고 거칠게 느껴졌다. 혼자 전시를 보러 갔더라면 열심히 보았을 텐데, 아이와 함께 간 터라 그의 진지하고 도발적인 메시지가 다소 부담스럽게 여겨지기도 했다. 



김홍석 - 사람 객관적 - 나쁜 해석 People Objective - Wrong Interpretations 





김홍석은 이번 전시를 위해 '사람 객관적 - 나쁜 해석'이라는 제목으로 세 개의 방을 마련하고 각각의 방을 '노동의 방', '은유의 방', '태도의 방'이라 이름 붙였다. 동일한 작품으로 이루어진 이 세 개의 방에 대해 작가는 노동, 은유, 태도라는 세 개의 키워드를 가지고 작품과 관련된 서로 다른 이야기를 제공한다. 이 이야기들은 퍼포머에 의한 전시가이드(도슨트)의 형태로 관객에게 제공된다. 

이를 통해 김홍석은 미술에 대해 가지고 있는 선입견에 도전하고 동시대의 미술을 미술로 인식하게 만드는 사회적 합의에 대해 재고할 기회를 제공한다. 

- 전시 소개 중에서



작가의 의도가 그대로 실현되어 성공하였을까? 참여(도슨트의 설명 듣기)로 완성되는 작품의 목적은 분명하지만, 전시 공간의 한계는 곧바로 작품의 한계로 이어진다. 



4개의 전시는 각기 다른 주제와 접근을 보여주어, 보는 이들마다 선호가 분명히 갈릴 듯 싶다. 나 또한 그랬으니. 하지만 2012년 한국 미술의 현재를 보기 위해 이 전시만큼 좋은 전시가 어디 있을까. 


이번 '오늘의 작가상' 2012 전시는 이번 주까지 이어진다. 이제 가을도 얼마 남지 않았다. 이번 주말 과천국립현대미술관으로의 외출은 어떨까? 





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요즘 주말이면 나들이다. 오늘은 과천 서울대공원을 다녀왔다. 그리고 몇 장의 꽃 사진을 찍어왔다. 

 

오후에 출발했지만, 짧지 않은 시간 그 곳에서 휴식(?)을 취했다. 그리고 호수가 보이는 잔디 위에서 잠시 누워 잠시 낮잠을 잤다.

걸어다닌 것밖에 없는데, 몸은 쉽게 피로해졌다. 운동 부족인 듯하다. 생각해보니, 이번 연휴에는 토요일 오전을 제외하곤 책을 거의 들여다 보지 못했다. 조금의 후회가 날 스친다. 


 

과천 서울대공원에 가서, 미술관이나 동물원 올라가는 길목, 호수 주변에 잔디밭에 앉아 가져온 음식들을 먹을 수 있다는 사실을 오늘 새삼 알게 되었다. 다음에는 좀더 계획성 있게 갈 생각이다.





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Who’s Afraid of Museums? - Artist of the Year: Kiwon Park

누가 미술관을 두려워하랴 - 2010 올해의 작가: 박기원

과천 국립현대미술관

2010. 4. 6. – 5. 30.

 

 



 

나는 공간 자체를 중요하게 생각한다. 작품을 위한 공간으로 만들기보다 공간 속의 작품, 즉 공간과 작품이 중립적이기를 원한다. 나는 이미 만들어진 환경이나 풍경은 그대로 있고, 그 위에 미세한 공기의 흐름’, 팔의 솜털이 움직이듯 한 미세한 바람처럼 어떤 자극도 없어 보이며, 방금 지나친 한 행인의 기억할 수 없는 모습과 같은 최소한의 움직임을 원한다. – 작가 노트 중에서




무더운 날씨였다. 아무런 계획 없이 그냥 미술관으로 향했다. 실은 아무 기대도 하지 않았다. 늘 보아오던 작품이 있을 꺼라 여겼다. 요즘 나의 문제는 미술 작품을 보더라도 큰 감흥을 느끼지 못하고, 도리어 불쾌함만 잔뜩 가지고 돌아온다는 것이다. 그러다 보니, 전시장 가는 일이 줄어들기 시작했다.

 

누가 미술관을 두려워하랴라고 하지만 미술관을 두려워하는 사람들은 주위에 많다. 미술관에 가지 않는 사람들이 대부분이다. 인사동에서 전시를 열어본 사람이라면, 주말 인사동 갤러리의 비극성은 익히 알고 있을 것이다. 더구나 요즘엔 인사동의 건물 임대료가 비싸져, 여러 갤러리들이 청담동으로 옮겨오고 있다는 이야기를 전해 들었다. 한국의 소비 문화는 순수 문화를 결국 죽이고 말 것이다.

 

실은 박기원의 작품을 보면서, ‘순수한 미술 작품을 두려워하라로 읽혔다. 그의 작품은 상업 일변도로 흐르는 한국 미술에 신선한 자극이며, 현대 미술의 한 속성 공간과 호흡하기 을 여실히 보여주고 있었다. 관람객과 하나가 되는 열린 작품을 그는 보여주고 있었다. 공간의 문제는 현대 미술에서 있어서 매우 첨예하게 다루어지는 이슈다. 올라퍼 엘리아슨의 ‘the weather project’에서처럼, 현대인들은 공간을 잊고 지낸다. (참고: http://intempus.tistory.com/1178. 올라퍼 엘리아슨에 대한 리뷰)

 

어느 글에선가 곰브리치가 미술관에 들어갔다 나왔을 때, 거리 가로수 이파리 색이며 구름이나 하늘 색이 보다 맑고 선명하게 보일 거라며, 미술관의 작품들이 주는 감동을 우회적으로 말하기도 했지만, 이제 상황은 다르다. 엔디 워홀의 팝 아트 이후, 우리는 미술 작품의 순수성과 상업성의 경계를 나누기 어려워졌다. 실은 디자인샵에서 판매되는 상품들이 갤러리에 걸린 미술작품보다 더 나은 미적 완성도와 뛰어난 조형 감각을 드러내기도 한다. 진지한 소설가라면, 자신들이 싸워야 하는 대상은 영화 따위가 아니라, 조간 신문의 사회면이라는 사실을 알 듯, 뛰어난 현대미술가라면, 어떤 주제와 소재로 작품을 해야 할 지 분명히 알고 있을 것이다.

 

이번 전시를 위해 작가는 두 달 동안 준비해왔다. 공간으로 구성된 작품을 보여준다는 것은 그 속의 관람객도 작품의 일부로 받아들인다는 것을 뜻한다. 마치 연극 무대 위에 관람객이 올라와 연기를 보여주는 것과 유사한 것이다. 미니멀한 공간의 구성 위로 관람객은 작품의 의미를 넘어서 자신의 존재를 느끼게 되는 것이다.

 

오랜 만에 한국 작가의 좋은 전시를 보았다. 박기원과 같은 작가들이 있기에 한국 미술은 존재하고 있는 것일지도 모르겠다. 박기원의 다음 프로젝트가 기다려진다.

 


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  • 빌리 2010.05.23 22:39 신고

    마지막 벗꽃이 떨어질 때 갔다왔던 공간이네요.
    옆실에선 작품을 가다듬고 있는 작가를 직접 보았습니다.
    신발을 벗고 들어간 이 공간에서 이분은 시트지를 정말 잘 붙이시겠다고 감탄한 저도
    공간의 일부로써 저의 존재를 확실히 느끼고 왔습니다 ^^

    • 인상주의자들이 '색'에 대한 탐구를, 세잔 이후의 후기 인상주의와 추상미술가들이 '색과 조형'에 대한 탐구를, 그리고 마르셀 뒤샹 이후 현대미술가들은 시간과 공간에 대해서 본격적으로 탐구하기 시작했습니다. 아인슈타인 이후의 현대 물리학의 탐구와도 거의 비슷한 궤적을 그리고 있습니다. 뭐. 이걸 이야기하자면, 몇 시간을 쉬지 않고 떠들어야겠지만요. 여튼, 박기원의 작품은 한국에서 보기 드문 스타일이라 무척 즐거웠습니다.

보르헤스 씨의 정원

일러스트: 메테오 페리코니 보르헤스 씨의 정원 부에노스 아이레스, 레꼴레타 인근의 어느 집에는 이중의 특권을 가진 창문이 있다. 그 창문에서는 한 눈에 하늘이 들어오고, 이웃한.....

보이지 않는 용, 데이브 하키

보이지 않는 용 The Invisible Dragon: Essays on Beauty 데이브 하키(지음), 박대정(옮김), 마음산책, 2011년 몇 번 읽다가 만 책이다. 구.....

2017년, 책 읽기의 기억

2017년, 책 읽기의 기억 1. 책 읽는 병든, 그러나 고귀한 우리들 책을 읽는 여인(안지오의 소녀) 이탈리아 안지오Anzio에서 나온 그리스 조각 복제본(대리석)으로 기원.....

보들레르의 수첩, 보들레르

보들레르의 수첩 샤를 보들레르(지음), 이건수(옮김), 문학과지성사, 2011년 1846년 산문과 1863년 산문이 함께 실려있고 죽은 후 나온 수첩까지 실린 이 책은 기억해.....

메시Messy, 팀 하포드

메시Messy - 혼돈에서 탄생하는 극적인 결과 팀 하포드(지음), 윤영삼(옮김), 위즈덤하우스 이 책은 확실히 기존 통념을 깨뜨린다. Messy라는 제목 그대로, 무질서와 혼.....

단테:세속을 노래한 시인, 에리히 아우어바흐

단테 - 세속을 노래한 시인 에리히 아우어바흐(Erich Auerbach) 지음, 이종인 옮김, 연암서가 좋은 책이다. 간결한 문장으로 핵심을 찌른다. 이종인 선생의 번역도 .....

칠드런 액트, 이언 매큐언

칠드런 액트 The Children Act 이언 매큐언 Iwan McEwan(지음), 민은영(옮김), 한겨레출판 살만 루시디(Salman Rushdie)가 추천한 이언 매큐언.....

맑스주의와 형식, 프레드릭 제임슨

변증법적 문학이론의 전개 (개정판: 맑스주의와 형식, 원제: Marxism and Form) 프레드릭 제임슨 Fredric Jameson (지음), 여홍상, 김영희(옮김), .....

연인들Lovers, 리처드 브라우티건
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완벽한 캘리포니아의 하루, 리처드 브라우티건
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