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파아란 영혼


큐비즘에 대한 세잔의 영향에 대해 자세히 알아본 바가 없었다. 현대미술에 대한 세잔의 영향은 너무 거대하기 때문에, 큐비즘 뿐만 아니라 거의 대부분의 현대 미술가들은 세잔의 후예라고 해도 과언이 아니니까. 


아마 내가 현대 미술에 대한 긴 글을 쓴다면, 뒤샹과 세잔만으로 글의 초반을 장식할 것이다. 뒤샹은 현대 미술을 난장판으로 만든 이라면, 세잔은 현대 미술을 견고하게 만든 이다. 과거와 단절하고 현대 미술이 끊임없는 혁신을 감행하게 된 계기는 뒤샹이고, 현대 미술이 과거의 역사와 단절하지 않고 지속적으로 이어지며 현대 미술 또한 서양 미술사의 한 챕터임을 끊임없이 환기시키에 한 이가 있다면 그가 바로 세잔이 될 것이다. 


그는 현대 문화의 내향성을 최초로 들어내 보이며, 우리 마음 속의 기하학에 주목했다. 고전적 현대, 혹은 모더니즘을 새로운 고전주의라고 불리게 만든 예술가이다. 그리스 고전주의, 르네상스 고전주의가 외부에 존재하는 기하학을 찾았다면, 세잔은 우리가 본질적으로 기하학적임을 드러냈다. 


큐비즘은 세잔의 직접적 영향 속에서 기하학주의를 전면에 드러낸다. 세잔 이후 모더니즘은 과거와는 전혀 다른 기하학주의로 예술을 지배한다. 아마 연구자들은 프랑스의 누보 로망이라든가, 전후 실존주의 문학이라 이후의 문학들 속에서도 기하학주의를 발견하게 될 것이다. 


아래 피카소와 세잔의 작품을 한 번 비교해보라. 얼마나 닮아 있는지. 

(나에게 여유가 된다면, 이와 비슷한 음악과 문학 작품을 찾아 나열해볼 수 있을 텐데.. 아직 그럴 여유가 없구나.) 



Pablo Picasso, Bread and dish with fruits on the table, 1909, oil on canvas, 164 x 132.5cm, Kunstmuseum, Basel 





Paul Cezanne, Still Life, oil on canvas, 60*73cm, 1890 





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어느 세미나에 가서 '왜 피카소가 반 고흐보다 돈을 잘 벌었는가'라는 아티클이 HBR에 실렸다는 이야기를 듣고 찾아보았다. 실은 HBR에 실리지 않았고 MIT슬로안리뷰에 실렸다. 제목은 'Why Picasso Outearned van Gogh'였다.

요즘 끊임없이 고민하는 것이 있다면, 내 터무니없는 오지랖을 한 곳으로 모아야 된다는 것이다. 하지만 그건 너무 어렵다. 예술과 경영은 참 멀리 있는 것이다. 

그래서 화들짝 놀라 관련 아티클을 뒤져보았다. 그러나 그 아티클은 내가 읽었던 아티클이었다. 나이가 들수록 나빠지는 기억력 탓이라기 보다는 대부분의 내용을 이미 알고 있는 것이라며 건성으로 넘기는 탓이 더 크다. 


미국 에모리 의대의 정신의학 및 행동과학 교수인 그레고리 번스는 다음과 같이 말한다. 반 고흐는 외톨이였던 반면에 카리스마를 지닌 피카소는 다양한 사회집단의 활동적인 멤버였기 때문이라는 것. 사회 네트워크 과학의 전문 용어로 표현하면 반 고흐는 독립적인 '노드(node)'여서 연결이 별로 없었다. 반면에 피카소는 다양한 사회적 계층으로 확장되는 광대한 네트워크에 포함된 '허브(hub)'였던 것이다. 

번스는 새 저서인 '우상파괴자: 신경과학자가 알려주는 다르게 생각하는 법'에서 두 예술가의 차이를 논한다. 그에 따르면 반 고흐의 예술 세계와 세상 사이의 주요 연결점은 그의 동생이었지만 이 연결은 그의 생활을 성공적으로 변화시킬 만큼의 돈을 벌어 주지 못했다. 반면에 피카소는 수많은 연결을 통해 경제적으로 부유한 사람들에게 접근할 수 있었다. 피카소는 광범위한 사회 네트워크는 예술가, 작가, 정치가 등을 포함했다. 이는 몇 사람만 건너면 세상에서 가장 중요한 사람들과 연결될 수 있다는 것을 뜻했다' 

- 앨던 M. 하야시, '빈털터리 반 고흐, 갑부 피카소' (번역. 오영건), 동아비즈니스리뷰 Vol.23 
(번역 중에 고흐의 형을 고흐의 동생으로 고쳐 옮긴다. 고흐의 형은 없고 동생 테오가 있다.)  




위 인용문을 읽어보면, 그 아티클은 책 소개였고, 피카소와 고흐의 차이는 예술 세계라기 보다는 인적 네트워킹의 차이였던 것이다. 결국 내가 기대했던 것과는 다소 어긋났다. 어찌보면 당연한 이야기를 피카소와 고흐를 인용하면서 뭔가 있는 것처럼 언급한 것에 지나지 않았다고 혹평할 수 있을 듯 싶다. (그러나 나에게는 없는 재능임을!) 

그레고리 번스의 이 책은 이미 한국에 번역되어져 나왔다. '상식파괴자'라는 제목을 달고. 직역하자면 '우상파괴자'가 되어야 할 텐데, 다소 거부감이 들고 학술적인 느낌이 강해 '상식파괴자'로 옮긴 듯 싶다. 밀려있는 책들을 읽고 난 다음, 이 책을 읽어볼 생각이다. 읽지 않은 책을 소개해도 무방할 것같다. 목차만 봐도 강추할 만한 책임에 분명해 보인다.



상식파괴자 - 8점
그레고리 번스 지음, 김정미 옮김, 정재승 감수/비즈니스맵





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Weeping Woman (눈물을 흘리는 여인)
Pable Picasso. 1937년도 작.


그 유명한 '게르니카'도 1937년도 작품이고 이 작품은 '게르니카' 이후의 작품으로 알려져 있다. 이 그림의 주인공은 도라 마르(Dora Maar)로, 1930년대 중반부터 2차 세계 대전이 끝날 때까지 피카소의 연인이었던 초현실주의 사진작가이다. 이 그림은 '눈물 흘리는 성모 마리아(Mater Dolorosa)' 도상의 현대적 변용이라고 할 수 있다. 죽은 예수를 보면서 눈물을 흘리는 성모 마리아. 한 여인이 게르니카에서 일었던 참극에 대한 소식을 듣고, 혹은 그 참극을 보면서 오열하고 있는 모습을 그린 것이라고 말할 수 있다.

그런데 저 오열 자체도 일종의 참극처럼 보이는 건 무슨 까닭일까. 슬픔을 참지 못하고 그렇다고 슬픔을 격정적으로 표출하지도 못하고 ... 어쩌면 20세기 인간이 마주한 부조리함. 잘못된 것을 알면서 그것을 어쩌지 못하는 처지. 그것을 표현하고 있는 것일 게다.
(2006년 3월 3일 쓴 글)


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늘 마음을 힘들게 하는 작품이다. 미사일 폭격이 이어지는 가자 지구가 휜히 보이는 언덕에 자리를 펴고 앉아 도시락 먹으면서 망원경으로 전쟁 구경하는 이스라엘 사람들 소식을 읽으면서, 과연 이 시대에 따뜻한 마음이라는 것이 존재하는가 하는 생각이 들었다. 이 점에선 한국도 별반 틀리지 않다. 1980년 광주가 그랬고, 1950년대 초반의 한국 전쟁도 똑같이 그랬다. 지극히 정상적인 어떤 사람들이 전쟁 때가 되면 미쳐버리는지 알 턱이 없는 일이다. 눈물 흘리는 성모(와 관련된 작품)가 모든 시대에 존재하는 것은 이 때문이고 언제나 우리 마음을 어루만지는 것도 이 때문이다.

"권력에 미친 사람들이 등장하면 매우 안정된 상태에 있던 나라에서도 극도의 혼란이 급속하게 퍼져 나갈 수 있다는 사실을 지난 10년의 세월이 잘 보여 주었다. 사라예보는 여러 인종들이 평화롭게 함께 사는 전 세계에서 가장 계몽된 도시들 가운데 하나였다. 그러나 몇 년 후 보스니아 내전이 터지자 나라 전체가 살육과 강간에 물들었고, 사라예보는 폐허가 되었다. 라이베리아는 아프리카에서 가장 성공한 나라 중 하나였으나, 몇 년 뒤 자동소총으로 무장한 10대들이 약물에 중독된 채 결혼식 예복에 가발을 쓰고 움직이는 것은 무엇이든 쏘면서 거리를 돌아다니고 있었다." ('월드체인징', 26쪽, 바다출판사)

 

"이스라엘이 가자를 침공한 진짜 이유는 다가올 총선 때문이다. 총선에는 노동당·리쿠드당·카디마당 등이 각축한다. 카디마당 대표 치피 리브니 외무장관이 뛰지만 노동당 당수 에후드 바라크(현 국방장관)에게는 안 된다. 결국 바라크와 리쿠드당의 베냐민 네타나후의 대결이다. 이스라엘의 역사를 보라. 군사행동이 왕성할 때 인기도 올라간다. 바라크는 군 출신이지만 네타냐후는 아니라는 점을 주목해야 한다. 결국 가자 침공은 주로 선거용이다."
- 왈리드 시암 팔레스타인 자치정부 한국 겸임 대표 (중앙선데이, 2009년 1월 11일자)


빨리 이스라엘의 일방적인 폭격이 멈추었으면 ...



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피카소의 달콤한 복수
, 에프라임 키숀(지음), 반성완(옮김), 디자인하우스, 1996



얼마나 많은 사람들이 현대(적인) 작품 앞에서 절망감을 느꼈을까. 혹은 그 절망감을 뒤로 숨기고 열광적인 반응, 자신의 영혼 가닥가닥이 ‘텅 빈 캔버스’ 앞에서 전율했다는 식의 거짓된 반응을 보였을까. 우리 모두는 정말 이랬던 적이 없었는가 한 번 돌이켜볼 일이다.

하지만 키숀의 ‘반-추상주의’를 이해하면서도 나의 ‘추상주의’를 철회할 생각은 전혀 없다. 이브 클라인의 푸른 색은 언제나 날 즐겁게 하니까.

그럼에도 불구하고 키숀의 견해를 무시해서는 안 된다. 도리어 그의 견해는 매우 옳고 정확하다. 심지어 그가 요셉 보이스에 대해 이야기할 때조차도. 나 또한 많은 현대 미술에 대한 비평문들을 읽어왔지만, 그런 비평문을 읽으면 읽을수록 작품이 더욱더 어려워졌다. 반대로 비평문을 눈에 보이지 않는 곳에서 던져놓았을 때, 현대 미술이 쉬워졌다. 난해한 현대의 이론들은 꼭 고대의 암호문처럼 나에게 어렵고 아무런 호소력도 가지지 못했다.

키숀의 의견처럼 많은 현대 미술에 대한 비평문들은 형편없다. 하지만 키숀의 생각대로 현대 미술이 나에게 그러한 것은 아니다. 이는 현대 음악에 대해서도 마찬가지다. 19세기 말부터 현재에 이르기까지 많은 현대예술가들은 나에게 무수한 영감을 불러일으키고 감동을 느끼게 해주었다.

그렇다면 키숀은 왜 이렇게 흥분하고 비난해대는 것일까. 그가 보기에 허위에 빠진 이들은 아무 의미도 없는, 도대체 그림을 전혀 그리지도 않은 이들이 대단한 작품인 양 인정하고 이를 터무니없는 가격으로 구입하는 정부 기관들, 공익 재단들, 그리고 개인 콜렉터들, 그리고 작품에 대해서 아무런 의미도 없는 말임에도 불구하고 뭔가 있는 듯이 지껄여대는 비평가들이다. 그리고 불행하게도 이 점에 대해서는 동의할 수밖에 없다. 이브 클라인의 푸른 색은 누구나 만들 수 있다. 나도 만들 수 있고 이 글을 읽는 당신도 만들 수 있다. 아무나 이브 클라인처럼 그릴 수 있다. 하지만 누가 렘브란트처럼 자화상을, 그리고 누가 미켈란젤로처럼 프레스코화를 그릴 수 있을까? 누가 티치아노의 그 색깔을 만들어낼 수 있을까?

어느 것이 위대한 예술인지 구분할 수 있는 기준은 모호해지고 불투명해지고 있다. 예술은 대중과 유리되고 예술가, 비평가, 소수의 콜렉터들을 위한 예술로 변질되고 있다. 하지만 원래 그랬던 것은 아니었을까?

하지만 뒤샹이 변기를 전시했을 때에는 아무나 미술 작품을 할 수 있다는 걸 보여주고 싶었던 것은 아닐까. 현대의 많은 예술가들이 시도하고 있는 행동주의는 뒤샹의 동어반복은 아닐까. 도리어 우리 모두가 예술가임에도 불구하고 그것을 부정하고 고전 시대의 그 고리타분한 구분을 우리 스스로 강요하고 있는 것은 아닐까. 그리고 이 책의 저자 키숀도 그렇게 하고 있는 것은 아닐까. 하긴 그가 공격한 예술마피아들도 또한 그러고 있으니.

지금 당장 주위를 돌아보면 우리들 모두가 예술가임을 느낄 수 있을 텐데, 사람들은 그 사실을 전혀 알지 못하고 있다. 그런 면에서 현대만큼 불행한 시대도 없다.

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방에서 뒹굴뒹굴 거리다 무작정 거리로 나섰다. 서울 시립 미술관에 가서 피카소전을 보았다. 한불수교120주년 기념 전시다. 그래서 피카소 작품들이 들어왔다. ‘솔레르씨 가족’이라는 작품 앞에서 한참을 서 있었다. 전율 같은 게 일었다. 하지만 그 뿐이었다. 그 정도의 전율을 일으키는 작품은 없었다. 대신 내 눈에 띄는 건 온통 연애 하러 나온 남녀만 눈에 띌 뿐이었다. 어쩌다가 미술관이 연애의 공간으로 변한 것일까. 하긴 연애라면 남부럽지 않았던 피카소 탓일 지도 모르겠다. 혼자 미술관 이리저리 돌아다녔다. 후기작들은 동어반복이라는 느낌이 들었다. 모든 이들이 매체 미술과 미니멀한 경향으로 내닫고 있을 때, 피카소는 여전히 입체파적인 경향을 고수하고 있었다. 그 점에서 피카소보다 마티스가 난 좋다. 마티스의 색채와 운동감은 늘 언제나 날 자극시킨다.

교보문고에 가서 시디‘들’을 샀다. 존 케이지부터 카를 오르프의 ‘카르미나 부라나’까지. 지금은 오늘 같이 산 ‘첼리비다케가 지휘하고 런던 필이 연주한 차이코브스키 교향곡 5번’을 듣고 있다. 대단히 밀도감 있는 연주다. 첼리비다케(Sergiu Celibidache)의 음반은 거의 없다고 한다. 거의 없는 와중에 이 음반이 있다. 그는 칼 뵘을 ‘감자포대’라고 평했는데, 무척 마음에 든다.

칼 뵘이 지휘한 모차르트 레퀴엠 음반이 있는데, 거의 듣지 않는다. 최근에 구입한 헤레베레(Philippe Herreweghe)의 레퀴엠이 휠씬 낫다. 그러나 내가 가장 좋아하는 앨범은 이스트반 케르테즈(Istvan Kertesz)가 지휘하고 빈 필이 연주한 모차르트 레퀴엠이 최고다. 1966년 런던의 데카에서 LP로 찍어낸 원판을 가지고 있다. 솔직히 이 앨범은 내 방 오디오로 소화가 불가능한 음반이다. 친구에게 선물 받은 앨범인데, 이 앨범을 건네면서 친구가 말하길 매니아들 사이에선 백 만원을 넘기는 앨범이라고 했다. 그런데 모차르트 레퀴엠 시디를 여러 장 가지고 있다고 하더라도 이 레퀴엠을 듣는 순간, 그 전의 모든 해석들이 다 사라지고 이 음악 소리만 들리게 될 것이다. 그만큼 전율적이라고 해야 할까. 혹시나 싶어 시디로 복각되었나 보았더니, 인정 보지 않고 LP로만 몇 년 전에 몇 장 찍어내고 다시 사라져버렸다.

올해 모차르트 레퀴엠을 한국의 어느 교향악단이 연주한다고 했는데, 챙겨놓아야겠다.

누가 존 케이지 음반을 살까 했더니만, 나 같은 이가 산다는 걸 알았다. 존 케이지 음반들은 온통 독일에서 나온 것들이 대부분이었다. 현대 음악과 독일이 무슨 연관이 있는 듯하다.


ECM에서 나온 존 케이지. 2000년 출시.

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고향집(* 창원)에 내려가기 위해 고속버스 승차권을 한 장 사고는 습관처럼 영풍문고를 들렸다.

요즘 내가 찾는 책은 크리스토퍼 래쉬의 <<나르시시즘의 문화>>(문학과 지성사)이지만, 구하지 못하고 있다. 오래 전에 절판되었다고 한다. 책 제목 자체가 꽤 흥미로워, 헌책방에서도 구하기가 어려운 책이다.

영풍문고를 어슬렁거리다가 외서 코너에서 소더비나 크리스티의 경매 카타로그를 판매하고 있는 것을 보았다. 그리고 두 권을 구입했다. 서울 옥션에서는 이런 책자를 만들어 배포하는지 알지 못하지만, 보통의 화집보다 인쇄나 편집, 대부분의 면에서 뛰어난 책자였다.

홍대 앞에 헌책방에서 소더비 카타로그를 본 적이 있었지만, 얇은 책에 별 내용 없는 듯해서 무심코 지나쳤는데, 영풍문고에서 판매하는 책들은 두껍기도 하거니와 화집과 같은 구성이어서 사지 않고는 못 배기게 만들었다.

이런 작품들을 직접 눈으로 봐야되는데. 요즘 하는 일들이 잘 되면 올해 하반기엔 프랑스를 한 번 정도 갔다 올 수 있을 것같다.

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피카소의 작품이다. 가격은 약 70억원 정도. 로또 몇 번 걸려야 살 수 있는 작품이다. 제목은 "Femme Ecrivant" 아래의 책자 안에 있는 그림인데, Evelyn Sharp라는 여성의 Collection인데, 소더비 경매에 유명한 화가들의 여러 작품들을 내놓은 모양이다. 마르크 샤갈, 시암 쑤띤, 조르주 루오, 특히 모딜리아니의 작품은 그의 대표작이라 아예 가격을 매겨놓지 않은 작품도 있었다.

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12세기부터 18세기까지의, 경매에 나온 여러 작품들이 실려있다. 아래 그림도 이 책자에 실려있는데, 거참, 무슨 짓을 하는 그림인지... 이거 바로크겠구나 하는 했더니, 17세기 초에 제작된 작품이다. 바로크 시대(17세기부터 18세기 중반)는 데카르트와 라이프니츠의 합리주의로도 유명하고 푸생이나 렘브란트와 같이 대체로 얌전했던 화가들도 있었지만, 남성주의가 꽤나 심했던 시기이기도 하다. 뭐라고 할까. 남성의 수학적 이성, 또는 세속의 힘(* 절대왕정과도 연결되는)이 여성의 퇴폐적인 면이나 비합리적인 면을 조절한다고 믿었다고 할까. 이렇게 보면 페미니즘 지지자들이 바로크 화가들을 좋아하면 뭔가 이상하다. 미술의 역사 속에서 남성적인 면이 가장 강하게 부각되는 시기가 이 바로크 시대였기 때문에. 그리고 렘브란트도 베르미르도 ... 네덜란드 바로크 화가들의 작품들 속에서도 쉽지 않게 이러한 면을 발견할 수 있다.

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아래 작품은 Salvator Rosa의 <Glaucus and Scylla>(1628)이다. 오비디우스의 <변신Matamorphoses>에 나오는 인물들로 Glaucus는 어부이고 Scylla는 님프요정이다. 그런데 Glaucus는 Scylla가 목욕하는 걸 보고는 바로 사랑에 빠졌다나?? 그런데 Glaucus를 좋아하는 여자가 있었는데, 여자마법사인 Circe가 이 장면을 보고 Glaucus의 말도 안 되는 짓을 말리기 위해 Scylla를 요상하게 생긴 바다괴물로 만들었다고 한다.

그런데 목욕하는 걸 보고 바로 사랑에 빠져, 바로 덤빈다? 이것이 바로 바로크적 상상력이 아닐까 싶다. 하긴 이런 시대가 있었다. 19세기까지. 그리고 제 3세계나 도시의 어두운 곳에서는 아직까지 이런 일이 생기기도 한다. 그런데 이게 사랑일까 싶다. 쩝. (* 아래 작품의 가격은 4천만원에서 7천만원 사이)

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피카소 - 성스러운 어릿광대
Picasso, le sage et le fou

마리 로르 베르나다크 Marie-Laure Bernadac
폴 뒤 부셰 Paule du Bouchet
시공디스커버리 018


종종 내 스스로에게 묻고 하는데, ‘도대체 무슨 이유로 나는 예술향유자가 되었는가’라는 물음이다. 그리곤 ‘예술작품을 통해 난 진짜 감동을 받고 있는 건가’라고 묻는다. 이런 물음을 미술관에 온 모든 이들에게 강요할 필요는 없을 것이다.

그러나 이런 억지스런 물음을 하고 싶은 까닭은 허위적인 냄새가 너무 많이 풍기기 때문이다. 어쩌겠는가. 내가 그런 곳에 살고 있음을 슬퍼할 수 밖에.

피카소만큼 대중적인 예술가도 없겠지만, 피카소만큼 대단하고 난감한 예술가도 없을 것이다. 그럼으로 이 작은 책은 피카소를 향해 가는 첫걸음이지 전부는 아니다. (* 예술에 대한 모든 책들이 그러하겠지만)

일주일 정도 출퇴근길에, 혹은 퇴근길에 혼자 커피숍에 앉아 이 책을 읽으면 좋을 것 같다. 이 책에 실린 피카소의 작품들은 바로 받아들이기 어려울 지 모르겠지만, 인용된 피카소의 몇 마디는 기억해둘 만한 가치가 있다. 가령, “나는 무엇인가 말하고 싶은 것이 있을 때면 그것이 꼭 그렇게밖에 표현될 수 없다고 느끼는 방법에 따라 표현합니다”라는 말은 예술을 이해하는데 꼭 필요한 문장이라 생각된다.

 

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